Im Theater-Zelt im Schweriner Schlossgarten, in brütendster Hitze am 19. Juni, war am Premierentag der Dreigroschenoper, in der Regie des Patrick Wengenroth ein Orchester mit vielen Bläsern aufgefahren, was die Weill´sche Musik zu einem großen Klangerlebnis machte. Sehr gelungen war die Besetzung der Polly, ( Jennifer Sabel), sie kam einerseits puppenhaft naiv, ein wenig steif und ungelenk daher, schaffte aber andererseits eine interessante Widersprüchlichkeit zwischen ihrer Anbetung des Mackie und einer gleichzeitigen Schnoddrigkeit und Kälte zu geben. So gelang es ihr, den im Brechttheater geforderten V-Effekt wirklich hervorzurufen und eine gute Distanz zu ihrer Figur aufzubauen, das war sehr gekonnt. Die Besetzung des Meckie Messer (Rudi Klein), die Figur wurde abwechselnd lustig wie Mozart und schmierig wie ein Rocker angelegt, insgesamt etwas zu weich, oder zu jung, sein Gesang war allerdings sehr gut. Sebastian Reck und Antje Trautmann gaben Herrn und Frau Peacham mit sehr viel Kraft und Präsenz, das war von beiden höchste Schauspiel- und Gesangskunst, sie trugen das ganze Stück. Das Orchester war ebenfalls spitzenmäßig und die übrigen Frauenrollen wurden charakterstark, schön und sehr originell, vor allem so gespielt, dass jede als eine eigenständige Persönlichkeit deutlich herauskam. Herausragend die Idee, dem Moritatensänger (Jochen Fahr) etwas Besonderes zu verleihen, indem er nicht nur die Brechttexte des Stückes, sondern gleich noch alle Regieanweisungen der nächsten Szene gleich mit vortrug. Dies wirkte durch seine oft todernste Miene köstlich komisch. In den Nebenrollen glänzte der „neue Bettler“, Filch, ( Christoph Götz) später auch Constapler, der sehr genau sämtliche Gefühle eines verlorenen und verlassenen Menschen, auf seinem Gesicht, in Mimik und Gestik, perfekt widerspiegeln konnte. Tiger Brown war mir etwas zu brav angelegt, Lucy aber wieder sehr überzeugend. Joanna Damberg als Spelunkenjenny überzeugte durch eine wunderschön glockenhelle Stimme und eine sehr gut gespielte verhaltene Tragik. Etwas redundant kam es rüber, dass nach jeder zweiten Szene der riesige Vorhang, vorher umständlich hochgezogen, plötzlich in einem Akt der Kraftmeierei in Fetzen herabgerissen wurde. Das blieb m.E. ohne Inhaltsbezug. Sehr beeindruckend war auch der Gesang der Polly, der nie ins Sentimentale abkippte, unfassbar, wie sie das hinbekommen hat, denn was selbst bei Lotte Lenya u.a. in historischen Filmen so hell und rührselig klingt, das hat sie, mit derselben Stimme, demselben Text und derselben Melodie doch selten unsentimental, klar und mit genau der richtigen Prise von Distanz bravorös hinbekommen!

Im Ganzen wurde das Stück mit klarem Gesellschaftsbezug gegeben, die diesbezüglichen Texten in der Dreigroschenoper („Die im Dunklen sieht man nicht“… und: „Was ist der Raub einer Bank gegen den Besitz einer Bank?!“) wurden mit großer Wärme, Ernsthaftigkeit und Leidenschaft vorgetragen. Mit glaubwürdiger Kritik auch der heutigen ungerechten Verteilung. Im Programmheft heisst es, dass die „Brutalität der Mächtigen“ immer danach strebt, ihr „System der Ungerechtigkeit“ zu erhalten, auch wenn es „erbarmungslos alle verschlingt!“ Die Songs sind es zehnmal wert, sich dieses Stück in Schwerin anzuschauen, super gespielt, super gesungen, lohnenswert, sich diese Musik, die nun selbst schon wieder 100 jahre alt ist und immer wieder neu aktuell, immer wieder anzuhören. Ich habe sie als kleines Kind immerzu angehört, da meine Eltern ein Studententheater betrieben, wo Brecht, Borchert und Villion mit einer Prise Peter Rümkorf gemischt wurden. Brecht/Weill-Songs, gesungen von Ernst Busch, gehörten zu meinen ersten Kindheitsliedern, ich kann sie fast alle auswendig.

Was noch dazu zu sagen wäre:

Brecht benutzte für „seine“ Bettler- Oper, in der die ungeheure Kälte des Menschen, wie sie sich im Wirtschaftssystem zeigt, am Pranger steht, u.a. etliche Balladen von Francois Villion, dann von Richard Kipling, die Ballade: Svrew-guns, die Brecht zum Kanonen-Song anregte. Karl Kraus steuerte die 2. Strophe des Eifersuchtslieds bei, dazu dichtete Brecht, und Weill vertonte. Und noch in der letzten Nacht vor der Premiere, wurde der Auftakt, der Meckie Messer-Song ergänzt, der zum größten Renner des ganzen Stückes wurde, nur weil der Hauptdarsteller seine Figur zu wenig in das Stück eingeführt fand. Also man muss sagen, mit der Kollektivarbeit, das hat Bert Brecht ernst genommen. Die Dreigroschenoper wurde seinerzeit der größte Publikums-Erfolg der Weimarer Republik. Die Straßen hallten wieder von den Liedern aus dieser Oper, sie wurden überall gesungen. Leider hat auch das den Faschismus nicht verhindert. Auch in Schwerin tagten am Tag der Premiere der Dreigroschenoper die Enkel der NS-Großväter, die für ihre Taten nie ernsthaft zur Verantwortung gezogen wurden, ich begegnete ihnen zufällig, da ich im Schlosscafe zur Toilette gehen wollte. Weiß livrierte Kellner traten mir in den Weg, geschlossene Veranstaltung. Fast nur Männer: Der Landes-Parteitag einer Partei, die man schon vor mindestens 10 Jahren hätte verbieten müssen und die sich nun erneut wieder aufmacht, sich demokratisch wählen zu lassen, um erneut eine Diktatur zu errichten.

Die Dreigroschenoper im Schweriner Theaterzelt, am 12.7.26 zum letzten Mal!

Caligula ist ein junger römischer Kaiser. Nach dem Tod seiner geliebten Schwester darf er keine Trauer zeigen, denn das Verhältnis war ein verbotener Inzest. Seine Trauer wendet sich in Hass und Menschenfeindschaft. Er entlässt alle Sklaven und macht sie sich damit zu gefälligen Untertanen und enteignet alle Besitzenden und quält ihre Frauen. Gerechtigkeit, sagt er, Gleichheit, aber in Wahrheit tobt sich hier nur Sadismus aus. Die Macht berauscht ihn, warum tut sie das? Bald füllt sich hinter ihm ein sichtbarer Keller mit Leichen, sie winden sich in Krämpfen und Schmerzen, die Dante,sche Hölle, am Ende wird er von seinen eigenen Toten erstickt. Das Gefängnistheater bringt diesen Stoff auf die Freiluft-Bühne in Tegel, in der hintersten Ecke des historischen Gefängnistrakts, in dem schon vor mehr als hundert Jahren die Gefangenen der ersten missglückten Revolution in Deutschland einsaßen, danach die Hitleropfer, später die 68er-Studenten, dazu Mörder, Räuber, Diebe zu allen zeiten, Menschen, denen die Welt keine goldenen Brücken baute. Heute dienen die alten Mauern mit den überdimensionalen Zahlen nur noch als Theaterkulisse. Genial die Idee, Dante und Camus zu mischen, die sich beide mit dem Thema SCHULD beschäftigt haben. Welche Kreise der Hölle muss solch ein Herrscher durchwandeln, bevor auch er die seiner Schuld gemäßen Strafe findet? Dieser wird von seinen Toten zerrissen, die er selbst freilässt. Die Hölle, das sind die anderen, schrieb Sartre, sie liegt mitten unter den Menschen, und „zwischen Willkür und Gesetz taumelt der Mensch“ (Zitiert nach dem sehr ausführlichen Programmheft: Ein bleierner Zustand, im Hier und Jetzt.)

Auch heutige Tyrannen taumeln, wir kennen sie gut: An einem Tag wollen sie ein ganzes Land vernichten, am anderen Tag Frieden stiften, dazwischen kassieren sie an der dazu passend taumelnden Börse ab und lachen sich eins. Tyrannen taumeln zwischen ihren Launen, dem einen schmeicheln sie, den anderen demütigen sie, den nächsten töten sie. Wir kennen die Namen, sie versetzen uns in Angst und Schrecken. Es ist so leicht, mit Gewalt zu herrschen. Heute und damals und immer war es das. Und doch stürzt die Gewalt eines Tages. Das zu wissen, ist wichtig! Hier und leider, wie so oft, stürzt der Tyrann erst ganz zum Schluss.

Caligula ist eine Charakterstudie: Er probiert aus, was erlaubt ist und lernt: Es ist alles erlaubt. Der Tyrann stellt seine Untertanen auf die Probe: Wie weit lassen sie sich treiben, und wie viel können sie erdulden, bevor sie sich widersetzen? Er demütigt, er enteignet, er mordet. er weidet sich in der Angst seiner Gegner. Jeder kann es werden, wenn man ihn lässt. Die Welt muss Zügel entwickeln für solche Tendenzen im Menschlichen. Sonst geht es schief.

Die Spieler sind ungeheuerlich, sie schaffen es, diese Abgründe auf die Bühne zu bringen, dass einem der Atem stockt. Sie, die Eingeschlossenen, die von aller Welt verlassenen, in einer Knaststadt hinter Mauern einsitzenden, vielfach schuldig an der Welt gewordenen, sie schaffen das Spiel von Gewaltherrschaft, die sich ins Unermessliche dehnt, authentisch zu geben. Und sie machen es auf eine ganz besondere Weise. Sie zeigen wie ein Gewaltherrscher auch immer etwas von Rebellentum an sich hat, darauf beruht seine Faszination. Rebellen können sich leicht zu Gewaltherrschern entwickeln, sie kehren ins Gegenteil, was sie einst forderten. Und sie zeigen es gut: Die Hölle beginnt da, „wo der Mensch glaubt, alles zu dürfen“. Hölle als „Erfindung der Menschheit“, wo die Verdammten, wie Dante es zeigte, gefangen sind im Echo ihrer Taten. „Schuld ist eingeschrieben in ihre Körper“, Strafe als „immerwährende Wiederholung“. Starkes Stück, starke Regie, starkes Spiel! Jeder der Spieler überzeugt, wirklich, jeder! Das Ensemble tritt hier in großer Besetzung auf, und doch verschwimmen in den Volkszenen die Personen nicht, sie sind alle, jeder auf seine Weise, noch einzeln sichtbar, als besondere Charaktere. Und die Hauptdarsteller? Besser hätte man es nicht treffen können! Wie immer übertreffen sie alle Charakterdarsteller, die ich je auf bürgerlichen Bühnen sah! Ein Jammer, dass die Stücke des Gefangenentheaters AufBruch nicht länger als einige wenige Wochen zu sehen sind.

Begleitet wurden die Spieler durch Musiker der Berliner Band 17 HIPPIES, auch deren Einsatz war großartig, sehr originell, mit sehr viel Anklang an die neue Musik, ungeheuer passend zu den Szenen, das Gefangenenensemble der JVA Tegel hat wirklich Großartiges geleistet. Diesen Abend vergisst man so leicht nicht. Er sitzt einem in den Knochen, fährt einem in die Seele, verstört und gibt zum Nachdenken Anlass. Wie können wir die Welt ändern? Können wir es, wir müssen! Das ist der Apell dieses Stückes aus dem Knast in Berlin. Man fragt sich: Warum kann es nicht Theaterspiel als Dauereinrichtung in jedem Gefängnis geben? Ich kann mir nichts Wirkungsvolleres zur Aufarbeitung der Schuld von Gefangenen und von uns allen, vorstellen. Danke an den Regisseur und alle Beteiligten!

CALIGULA. INFERNO. nach Camus und Dante vom Freiluftgefangenentheater in der JVA Tegel, in der Regie von Peter Atanassow, (Die Gefangenen sagen, sie haben alles, was sie können, allein ihm zu verdanken, der Regisseur sagt dasselbe über seine Spieler)

Premiere war am: 9. Juni 2026, Noch weitere Vorstellungen: 23., 24., 29. und 30. Juni sowie 2. Juli 2026 jeweils um 17.30 Uhr, anmelden!

Danke an alle Spieler des Gefangenenensemble der JVA Tegel
Adrian Zajac, Alex, André S., Atak, Baris Can, Eddy A., Fabi, H. Peter Maier C.d.F., Horst Grimm, Jan M., Marco, Muhammet, Norman, Paco, Paul E., Rico, Robert, Robin, Ronny B., Senad, Sven, Taui.

Begleitet durch Musiker der 17 HIPPIES
Benjamin Ostarek (Klarinette), Reinhard „Koma“ Lüderitz (Schlagwerk, Sackpfeife), Volker „Kruisko“ Rettmann (Akkordeon), Michael „Moe“ Jaksch (Kontrabass, Zither)
sowie am Klavier Vsevolod Silkin

Regie Peter Atanassow Bühne Holger Syrbe Kostüme Anne Schartmann Dramaturgie Franziska Kuhn Musikalisches Konzept und Arrangements Christopher Blenkinsop (17 HIPPIES) Musikalische Einstudierung Gesang Vsevolod Silkin Choreographie Suzann Bolick Produktionsleitung Sibylle Arndt Regieassistenz Marlene Zuz Kostümassistenz Elena Chant Technik Mo Koulaghassi, Lukas Maser Grafik Dirk Trageser

Ich habe in der letzten Zeit sieben großartige Theateraufführungen im Volkstheater Rostock angesehen, das Volkstheater ist ein Vierspartentheater mit Anbindung an die HMT, der Hochschule für Musik, Theater und Tanz, die dort in der Altstadt, in einem alten Kloster ansässig ist. Ich hatte dort zu tun und gelangte nur in Abständen in die Aufführungen, zuerst im November, da sah ich: Die Ratten, sehr gut inszeniertes und gespieltes Sozialstück von Gerhard Hauptmann, die Parallelen zu heute berühren einen tief, es wurde mit sehr viel Einfühlung in den heutigen Pauperismus und die unter ihm leidenden Personen gegeben, die man sich, erschreckend aktuell, sehr gut vorstellen konnte. Ist es wahr, dachte man, dass die Abtreibungsfreiheit für Frauen immer noch nicht erreicht hat, ganz im Gegenteil, immer mehr eingeschränkt wird?

Dann sah ich im Januar das Vierspartenstück Amadeus, über den Mythos der Mozartvergiftung durch Salieri, ein wunderbares Kostümtheater mit einem verzweifelten Salieri und einem lustigen Mozart, auch sehr tiefgründig gespielt, vor allem, weil Neid, Missgunst und Rachsucht allgemein menschliche Probleme sind, und diese hier sehr gründlich ausgeleuchtet wurden. Im Februar sah ich die wunderbare Komödie von Ben Johnson, einem völlig unbekannten Shakespeare-Zeitgenossen, Volporone, oder der Fuchs, über Geld, Geiz und Gier, unfassbar gut gespielt, wo die Charaktere durch Tiere symbolisiert wurden, einzigartig gut gespielt, die Spieler haben wirklich alle Charaktereigenschaften, die durch Aussicht auf Geld ausgelöst werden können, in ihren Figuren ausgedrückt, außerordentlich! Leider wurde es nur sehr kurz gespielt.

Dann im März sah ich das Musical Anatevka, werkgetreu und tragisch gegeben, mit einer großen Verbeugung vor den osteuropäisch-jüdischen Dorfgemeinschaften, die immer wieder vertrieben und schließlich im Holocaust für immer vernichtet wurden, mit einer berührenden, ganz kurzen Versöhnungsszene zwischen den jüdische Dörflern und den russischen Soldaten im gemeinsamen Tanz. Ausgesprochen gut besetzt, mit einem nachdenklichen, weichen, seine eigenen Maximen immer wieder infrage stellenden Tevje, wunderbar kraftvoll gespielt von Frederic Böhle, der wie geschaffen für seine Rolle war, sogar mit eigenen Beziehungen zur Klezmer-Musik, genial die Ausgestaltung seines Zweifelns, seiner Gedankenspiele, seiner Worte, die er mit Gott spricht, sein Mut, der sich immer wieder aufrichtet, aber auch seine Trauer, sehr unsentimental inszeniert, eine einzige Verbeugung vor der Geschichte und dialektischen Debattenkultur des jüdischen Volkes. Auch sehr genial wurde hier Jente gegeben, die Heiratsvermittlerin, Katrin Heller verlieh ihrer Figur etwas köstlich Hexenhaftes, was trotzdem etwas Humoristisches hatte, sie war im Grunde die Gegenspielerin von Tejve, die die alte Zeit in aller Starrsinnigkeit verkörperte und trotzdem liebevollgestaltet wurde. Die Vielschichtigkeit und Widerspräcuhlichkeit, die ein Spielender in seiner Figur ausdrücken kann, macht die Qualität aus, denn das kommt dem Menschlichen am nächsten, hier ist es wunderbar gelungen!

Dann war ich im April auf der kleinen Bühne im Ateliertheater, bei Fischers Fritz, einem Kammerstück, in dem das brisante Thema der häuslichen Pflege komödiantisch, mit viel ernstem Witz, sehr realitätsnah, auf die Bühne gebracht wurde und im Mai war ich in der „Road Opera“ Tschick, wo Ludger Vollmer schwere, an Schönberg angelehnte Musik, in der Adaptation eines Jugendfilms, tatsächlich schafft, 14-jährigen nahezubringen. Dazu wurde das Medium Video-Installation äußerst feinfühlig und originell in die Theaterszenen, sozusagen „eingewebt“. Denn es wurden nicht irgendwo hinten oder seitlich, flimmernde Filmszenen laufen gelassen,  die Filmszenen traten in die Szene ein, gingen aus ihr hervor, die Schauspieler wanderten durch die Leinwand, wie durch einen Nebel, es war ein ästhetischer Hochgenuss, den die Jugendlichen auch staunend bewunderten. (Man merkte es daran, wie still sie wurden)   

Was ich da zufällig und nur in einem kleinen Ausschnitt ansah, denn es gibt 20 Premieren in jeder Spielzeit, war einfach umwerfend. Die Stücke, Opern, Komödien, Dramen werden nicht nur toll gespielt, inszeniert, musikalisch und künstlerisch begleitet, sondern auch passend zur Tagespolitik und gesellschaftlichen Situation ausgesucht, immer mit einem sozialkritischen Blick, immer mit einem Anreiz zum Nachdenken, zur vertiefenden Erkenntnisgewinnung gegeben, so dass die Stücke wirklich zu einem Hochgenuss des Denkens und Empfindens werden. Die Schauspieler, die dort arbeiten, sind legendär, es sind einzigartige Charakterschauspieler unter ihnen, wie Katharina Paul, Bernd Färber, Frank Buchwald, Malin Steitz, Ulrich K. Müller und Hagen Ritschel, um nur einige wenige zu nennen, die absolut herausstechen, sie tragen die Stücke mit ungeheurer Professionalität, mit Einfallsreichtum, Witz, Dramatik, Ernsthaftigkeit, mit so viel Würde, geistiger und körperlicher Präsenz, so viel Kompetenz, dass es für jeden Regisseur eine Freude sein muss, hier zu arbeiten. Man gewinnt sie lieb, sie bekommen standing-ovations bei jeder Aufführung. Sie wechseln die Dialekte, die Sprachen, die Typen, die sie spielen, sie können auf der Klaviatur der Gefühle wirklich alles ausdrücken, und schaffen es, ihre Figuren mit scheinbarer Leichtigkeit, und trotzdem Tiefe und Authentizität zu geben, eine große Kunst!

Rostock lohnt sich! Das ist die einzige Empfehlung, die ich jedem Kulturinteressierten geben kann! Das Volkstheater mit seiner großen, und mit seinen kleinen Bühnen, Ateliertheater und Warnemünde, aber auch die Bühne 602, mit ihrem vielfältigen Angebot, ihren Winter- und Sommerstücken im Klostergarten und mit dem ungeheuer vielfältigen Musikangebot steht dem in nichts nach, dann gibt es noch drei Kabarettbühnen in Rostock und weitere Veranstaltungsstätten mit Schauspiel, Musik und Kunst über das ganze Jahr verteilt, einfach eine wunderbare Kulturstadt!

Anja Röhl

Foto: Volkstheater: Frederic Böhle als Tevje, großartig in Anatevka

Zu dieser Zeit kann man in der Hafenstadt Rostock, im Theater Compagnie de Comedie, in der Bühne 602, direkt am Hafen, ein Stück ansehen, das mit GELD, seiner Bedeutung und seiner Bewertung zu tun hat, und dabei vor allem sein schädliches, den menschlichen Charakter ins Schlechte veränderndes Wesen auf frappierende Weise entlarvt. Eine bittere Komödie der französischen Theaterautorin Flavia Coste, mit dem Titel: „Nein zum Geld“, deren erstes Theaterstück nach der Uraufführung 2017 in Paris, durch eine „beneidenswerte Begabung für einen ideen- und trickreichen Handlungsaufbau, dialogische Situationskomik und genau gezeichnete Charaktere“ von sich Reden gemacht hat.

Es beginnt harmlos, ein junger, mäßig erfolgreicher Architekt mit Frau und Baby, lädt seine Mutter und seinen besten Freund, mit dem er in einem Start-up arbeitet, zum Abendessen ein. Nachdem das Publikum die Protagonisten etwas kennengelernt hat, die Mutter ist von köstlicher Komik, sie erzählt von ihren lustigen Versuchen, Liebhaber zu treffen, über den Arbeitsfreund vermuten sie, kurz bevor er kommt, dass er schwul sei, weil man bei ihm nie eine Frau sieht, seine junge Frau, erfährt man, ist Lehrerin mit festem Gehalt, die das risikoreiche Architektur-Unternehmen der beiden haushaltsmäßig stützt, druckst er herum, er wolle etwas erzählen. Er windet sich dabei und wirkt seltsam, er wolle sein Verhalten während der letzten zwei Monate erklären, sagt er, er liebe sie alle drei und wolle seinen liebsten Menschen etwas Wichtiges mitteilen, er redet und redet, um den heißen Brei. Die anderen stutzen. Was ist passiert? Die Mutter ruft aus: Hast du einen Menschen totgefahren? Endlich soll er reden. Nun sagt er, er habe im Lotto gewonnen. Waas? Wieviel? Und es werden schließlich nur noch Zahlen gerufen: 500? 1000? 10.000? Eine Million? Immer lächelt der junge Mann und zeigt mit den Fingern nach oben. Die drei werden zunehmend nervös und springen auf. Als feststeht, dass er 167 Millionen gewonnen hat, beginnen alle zu schreien, zu brüllen, zu kreischen. Richard als einziger bleibt ruhig, lächelt… Ihr habt vergessen, zu Ende zuzuhören, sagt er, ich habe den Preis nicht angenommen. Die anderen erstarren.

Von hier aus entspinnt sich ein köstliches Feuerwerk spannender Dialoge und Szenen, diese sind voller Überraschungen und Dramatik. Dabei stimmt alles: Dramatisch perfekt verdichtet, spannende, ungeheuer gut passende Dialoge voller Authentizität und Lebendigkeit, unglaubliche Situationskomik und dabei mit tiefernster, wertvoller Botschaft und super gespielt!

Das Besondere, das Publikum kann sich sehr in die drei Erstaunten, Erbosten und zunehmend Entsetzen einfühlen! Denen ist bald jeder Appetit vergangen, die wollen kein Fest mehr feiern, sie haben keine ruhige Minute mehr, und vor Wut auf den Mann, der den Gewinn ablehnen will, geraten sie immer mehr in Raserei. Richard, die Hauptperson, der immer wieder betont, er habe das aus Liebe zu ihnen gemacht, wird dabei zunehmend als verspinnert, verblendet und verrückt wahrgenommen, er gerät ins Abseits. Er beteuert: Ich habe mir alle Lottogewinner der letzten 30 Jahre angeschaut, sie sind alle wahnsinnig geworden, ich will nicht, dass ihr so werdet! Blödsinn, sagt die Mutter, nachdem sie sich von einem Anfall erholt hat: Du hättest an Wohltätigkeitsorganisationen spenden können! Unsere Firma sanieren, sagt der Freund, dem Kind eine gute Schule ermöglichen, sagt die Frau. Und wütend finden alle drei: Keiner lehnt sowas ab!!! „Früher war Geld nur ein Tauschmittel, heute verleiht Geld Macht über alle Menschen. Ich will das nicht! Nicht für mich und nicht für euch! Weil ich euch liebe!“ Richard bleibt auch dann stark, als sich herausstellt, dass noch drei Stunden bleiben, um den Schein doch noch einzulösen.

Man denkt, diese Story ist einfach, aber das ist sie nicht, denn in ihr wickelt sich eine böse Methapher ab, etwas passiert, was genau dem entspricht, was Richard voraussah. Es gibt am Ende keine Freundschaft mehr. Und das Publikum wird mitgerissen, zuerst im Lachen, dann im entsetzten Erkennen einer der bittersten Realitäten unserer Zeit. Das kleine Kammerspiel mit vier Spielern ist ein echtes Highlight und unbedingt zu empfehlen! Nach Hause geht man mit Zwerchfellmuskelkater durchs Lachen und einer erfrischend deutlichen Erkenntnisklarheit über das Wesen des Geldes.

Nach der letzten Szene hält das Premierenpublikum zunächst inne, denn der Schluss ist allzu überraschend, aber dann gibt es Standing ovations, immer wieder müssen die Spieler auf die Bühne. Das Publikum nimmt das Stück nun nicht mehr als einfaches Mittelstandsdrama, sondern als Lehre, als Bild über den Wahnsinn unserer Zeit wahr, denn es hat etwas Seltsames erlebt, man konnte sich einfühlen in die drei Menschen, denen plötzlich 167 Millionen über alles gingen. Man hat verstanden, warum sie auf ihren Freund wütend waren, sich von ihm hintergangen fühlten, ihre Freundschaft sich verabschiedet hat. Dabei ist die Besetzung, in der Compagnie de Comedie, die im Sommer eines der besten Freilufttheater Deutschlands im Rostocker Klostergarten anbietet, bestens: Die beiden männlichen Schauspieler, Marcus Müller, der den Richard so herrlich hibbelig, verplant und naiv spielt und Peer Roggendorf, der hier erstaunlich ruhig den typischen Franzosen gibt, geben ihre Figuren super passend, ebenso auch die beiden Frauen Angela Schlabinger als Mutter und Lydia Wilke, als Richards Frau Claire, die mit ungeheuer viel Witz und Echtheit ihre Figuren spielen.  Alle sind dabei sehr aufgeregt, temperamentvoll, aber durchaus dem Gegenstand angemessen, denn, ehrlich gesagt, wem ginge es nicht so, dass er ausrasten würde, wenn ein enger Freund, Mann oder Sohn 167 Millionen gewinnen würde? Die Gefühle der drei sind keineswegs übertrieben, sondern realitätsnah und authentisch getroffen, es geht ja nicht um 100 oder 1000 Euro. Man kann ihnen lange folgen und gefühlsmäßig mitgehen.

Und als dann alles kippt, da wird plötzlich das Stück zur politischen Parabel. Aus dem privaten Kammerspiel wird Ernst. Etwas, was uns alle angeht. Da wird einem klar, es geht nicht mehr nur um den Gewinn des Richard und die Verzweiflung seiner Liebsten, es geht  um die Menschheit und ihren Fortbestand, um das, was Geld mit uns macht. Und das letzte Lachen bleibt einem schmerzhaft im Halse stecken.    

Unbedingt hingehen, lohnt sich. Nicht abhalten lassen. Es gab ungeheuren Applaus bei der Premiere, als die Hände müde wurde, wurde getrampelt. Das Publikum war mehr als amüsiert, es war bewegt worden. Großartig!  

Reservierungen: 0381/ 203 60 84
Kartenvorverkauf in der BÜHNE 602
Warnowufer 55, 18057 Rostock
Mo – Fr von 10:00 – 12:00 Uhr
Fr von 14:00 – 18:00 Uhr
(Keine Kartenzahlung möglich)

oder Online:
http://www.mvticket.de/b602shop

NEIN ZUM GELD!
Komödie von Flavia Coste
Aus dem Französischen von Michael Raab
Regie: Angelika Zacek
Mit ANGELA SCHLABINGER, LYDIA WILKE, MARCUS MÖLLER und PEER ROGGENDORF

Schon länger läuft in Rostock das Stück Don Quijote in einer freien bearbeitung von Peter Jordan im Ateliertheater der großen Bühne. Sancho Panza tritt dort als Clown auf und will von seinem Herrn weg, weil ihm der ein Fall für den Psychiater zu sein scheint. Mit wunderbarer Körpersprache gewinnt hier Malin Steitz zunächst die Herzen der Zuschauer. Aber das Stück verliert durch eine wenig stringente Handlung und Dramaturgie, Dulcinea als auseinandernehmbares Pferd, Spanientänzerin und strenge in einer roten Phantasie-Uniform steckenden Beamtin tanzt zwar schön, wirkt aber puppenhaft künstlich und der Don als verwirrter Spinner ist nicht mal lustig, die Weltrettungsphantasie glaubt man ihm nicht.

Peter Jordan hat sich hier in seiner frei nach Cervantes-Bearbeitung des historischen Stoffes mE vergaloppiert. Die drei Spieler:innen, besonders Malin Steitz als Sancho, versuchen durch ihr wunderbar clowneskes Körperspiel alles herauszuholen, was geht, so dass man durchaus interessante Momente hat, denn sie ist eine wirklich begnadete Schauspielerin, aber im Ganzen ist es vergeblich, das Stück berührt nicht, es packt einen nicht, es verwirrt nur und besonders die Bezüge von damals zu heute wirken gewollt, wie angeklebt.

Im Ateliertehater des Volkstheaters Rostock: Inszenierung: Simon Jensen, Bühne und Kostüme: Isabelle Kaiser, Dramaturgie: Arne Bloch, Regieassistenz und Inspizienz: Karla Prager, Spielende: Hagen Ritschel, Malin Steitz, Anouk Warter

Die Hauptperson, der reiche Volpone, als Fuchs charakterisiert, gibt vor, sterbenskrank zu sein, und muss erleben, wie aus Freunden plötzlich habgierige Raubvögel werden, die auf sein Erbe schielen. Sie überhäufen ihn mit großzügigen Geschenken, schmeicheln ihm, tun so, als wären sie um seine Gesundheit besorgt, aber werden durch einen Trick, den sich Volpone und sein Diener Moska ausgedacht haben, auf entlarvende Weise an der Nase herumgeführt. Während des Spiels im Spiel verwandeln sich Menschen in fabelartige Tiere, was ihren Charakter noch deutlicher sichtbar macht. Die Hauptperson ist der Fuchs, (sehr gut gegeben von Hagen Ritschel), sein Diener Mosca ist einer Schmeißfliege nachempfunden, die sich jedem Dreck anhaftet, man behält sie noch lange im Gedächtnis! Sie wiegt jeden der „Freunde“ des angeblich sterbenden Hausherrn in dem Glauben, dass derjenige nun schon als Hauptbegünstigter ausgewählt wurde, macht Hoffnungen, kassiert Geschenke ein, verspricht, umschmeichelt, stachelt die Gier der Bewerber immer mehr an, wunderbar verschlagen und galant, mit starkem Körpereinsatz, gespielt, ein großes Bravo für Katharina Paul. Der Charakter einer Schmeißfliege, die alles für seinen Herrn und dessen Vorteil zu tun bereit ist, und sich dabei an jeden anderen ebenso manipulativ anschmeicheln kann, ist wunderbar getroffen. Und auch die Erbschleicher und betrogenen Betrüger Voltore (Geier), super durch Ulrich K. Müller gespielt, Corbaccio (Rabe), perfekt durch den Charakterdarsteller Frank Buchwald, und Corvino (Krähe), durch Joshua Walton gegeben, wurden mit viel Leidenschaft, Können und echtem Engagement gespielt. Auch die Kostüme waren wunderbar originell konzipiert, mein besonderes Lob geht dabei auch an die Kostümbildnerin Nora Lau.

Während nun diese „Vögel“ alle moralischen Prinzipien aufgeben, haben Volpone und sein Diener Mosca auch viel Spaß. Am Ausplündern und auch an der ungeheuren Macht, die das Geld verleiht. Rabe, Geier, Krähe, Fuchs, Fliege, wunderbar gut getroffene Typen von Raffgier. Am Ende verheddern sich alle im Netz der ausgespannten Lügen und Versprechungen und keiner „kann mehr vor seinen eigenen Begierden sicher sein“, wie es im Programmheft dazu heißt. Der Trick, den sich das Betrügerpaar Volpone und Mosca ausgedacht hat, wendet sich am Ende gegen sie selbst, lässt am Ende alle kläglich scheitern.

Eine starke Botschaft gegen die Grundfesten, auch unseres heutigen Wirtschaftssystems, des kapitalistischen, dem angeblichen Sieger in der Geschichte, wo alles nur auf das schiere Anhäufen von Geld, Macht und Besitz ankommt, und das Menschliche auf der Strecke bleibt. Das Stück hält so, auch 400 Jahre nach seiner Uraufführung noch immer der Gesellschaft den Spiegel vor, ist die Idee des Anhäufens von Geld und Macht doch offenbar auch heute noch aktueller als je!

Eine tolle Idee, sehr gute Umsetzung am Rostock Volkstheater, großes Lob an Jule Kracht! Leider viel zu früh abgespielt!

Hintergrund:

Das Stück Volpone ist ein satirisches Stück von Ben Jonson aus dem Jahr 1606. Dieser war einer der bedeutendste Dichter der Renaissance. Der nur 8 Jahre jüngere Benjamin Johnson, überlebte Wiliam Shakespeare, zu dem er einen berühmten Nekrolog geschrieben hat, um mehr als 21 Jahre und sah sich stets eher als einen Gelehrten an, dem griechische und römische Vorbilder heilig waren und der neben Dramen vor allem Lyrik hinterließ, legte großen Wert auf eine Klarheit der Form und Schlichtheit des Ausdrucks. Dadurch trug er maßgeblich zu der Entstehung des Ideals eines schlichten Stils (plain style) bei. Ausgehend von der römischen Komödie begründete er eine neue Form der satirischen Sittenkomödie, die bis in das 18. Jahrhundert bestehen blieb. In seinem wichtigsten Stück Volpone kritisiert er menschliche Gier und Täuschung. Es erzählt die Geschichte von Volpone, einem Venezianer, der seinen eigenen Tod vortäuscht, um gierige Anwärter mit Hilfe seines Dieners Mosca um ihr Geld zu betrügen. Durch ihre Machenschaften satirisiert das Stück die korrupten Bürger Venedigs und deren Besessenheit mit Geld und Überfluss. Am Ende führt Volpones Mangel an Selbstbeherrschung dazu, dass er von Mosca überlistet wird. Er wird ins Gefängnis geschickt, während die gierigen Anwärter öffentlich gedemütigt werden. Das Stück gilt als eines von Benjamin Jonsons besten Werken und bleibt eines der besten Beispiele für die Jakobäische Komödie.

Passend zu diesem Thema läuft im Rostocker Atelier Theater das Kammerspiel: „Fischers Fritze“ von Raphaela Bardutzky. Gleich zu Beginn wird eine wunderbare Brecht´sche Distanz hergestellt, man sieht eine Pflegefachkraft, Krankenschwester, einen Patienten im Bett, einen älteren Mann, und eine männliche Person, wer sie ist, bleibt noch unklar, aber auch: Hier übt eine Schauspieltruppe. Sie schneiden Fratzen, trainieren ihre Gesichtsmuskeln, üben Zungenbrecher: „Fischers Fritze fischt frische Fische“ . Das Publikum findet das komisch. In der Tat sind die Gesichter, die die drei Hauptdarsteller, Bernd Färber, Lisa Moskalenko, David Stancu, schneiden, urkomisch anzusehen. So bekommen wir einen leichten Einstieg in das traurige Thema des Abends.

Ein Mann in Bayern ist so alt und krank, dass er in ein Pflegeheim muss, aber er weigert sich, der Sohn holt eine Pflegeperson aus der Ukraine, Pauline, und der nicht unproblematische Alltag zwischen Pauline und Fritz, dem früheren Fischer, beginnt. Der weitere Verlauf des Stückes zeigt auf humorvoll-tragische Weise, wie einsam und problematisch solch eine Pflege-Zwangs-Beziehung ist. Ab und zu kommt auch der Sohn, aber zwischen Sohn und Vater schwelt der Konflikt, dass ersterer das Handwerk des Vaters nicht weitermachen wollte und auch nicht konnte, da die Fischerei umweltbedingt, mit samt ihren Fischen, am Aussterben ist. Der Sohn Franz sollte, nach Meinung des Vaters, die Generation der Fischer von den Urgroßeltern bis zu den Enkeln weiterführen, nun ist er Friseur geworden, unverzeihlich. Jahrzehntealte Aggressionen und Kränkungen vergiften die Kommunikation, die nach jahrelanger Funkstille zwischen Vater und Sohn, nun notgedrungen, wieder aufgenommen werden muss.

Sehr typische Generationenprobleme der Boomer-Generation mit ihren zunehmend betagter werdenden Eltern, werden hier, sowohl ernsthaft, als auch komisch in einzigartiger Weise, spannend, mit spritzigen Dialogen, dramaturgisch gut verdichtet, als ein Feuerwerk an Situationskomik, Gesellschaftskritik und des Mitgefühls dargeboten. Bernd Färber gibt den alten Fischer herausragend, alles stimmt in seinem Spiel, man ist wirklich angefasst davon, wie er den hilfosen Greis ernsthaft und komisch zugleich, ohne jede Überhebung auf die Bühne bringt. Aber auch die junge Lisa Moskalenko versteht ihr Handwerk, manchmal puppenhaft, manchmal automatenhaft, oft auch verzweifelt, schafft sie die verschiedenen Gefühle wirklich mit ihrer eigenen Person zu verschmelzen und dann wieder nur Spielerin zu sein. Alles wirkt typisch, exemplarisch und daher dient es dem kritischen Blick: Die an Einsamkeit fast erstickende, aus Osteuropa kommende Pflegeperson, die am Ende trotz aller Bemühungen scheitert, der Vater, wütend über die Zerstörung der Welt, der als Fischer, eng mit der Natur verbunden, an dem Leid über die sterbenden Fische zerbricht und der Friseur-Sohn, der seinem Vater durch dessen Unverständnis nicht näher kommen kann, ergeben ein hochexpolsives Gemisch an gegenseitigem Missverstehen, dass aber dann doch teilweise liebevoll durchbrochen wird.

Dieser einfache Inhalt, ist hier durch erstklassige Schauspielkunst und Regie zu einem eindrucksvollen „Sprechstück“, zu einem hochsensiblen und trotzdem spielerisch leicht wirkendem Stück, mit tiefem Erkenntniswert geworden, dass man wie festgenagelt auf seinem Stuhl sitzt und fasziniert ist von dem inhalt und dem Minen- und Körperspiel der Darsteller.

Dabei wechseln die beiden ostereuropäischen Darsteller locker die Sprachen, alle drei die Dialekte, dazu die Sprachlosigkeit des Patienten, die die Pflegekraft zu überwinden trachtet, das ist sehr gut auf den Punkt gebracht worden. Dramaturgisch geht es immer hin und her zwischen Spiel-Realität und Reflexionsebene, was dem Spiel eine ganz besondere Note gibt. Der alte Fischer spricht erst in unverständlichem bayrisch, dann kommentiert er im normalen Hochdeutsch seine Rolle, es ist faszinierend, was die kleine Gruppe hier auf die Bühne bringt. Auch die schon lange üblichen Video Bühnenbilder, die, da allzu oft Masche, manchmal zu Tode langweilen, waren diesmal sehr gut gewählt, denn es ging in ihnen um eine andere Bewusstseinsebene. Gedanken, Albträume, das Unbewusste wurde in ihnen ausgedrückt, ein Aquarellbild mit Fischen lag über der Szene, die in doppelter Ausführung als Video über der realen Szene lag. Dazu wurde Wasser geplätschert in einer kleinen Schüssel was sichtbar blieb, einfach, aber genial in der Wirkung. Das Publikum hat entsprechend reagiert, nicht nur das Händeklatschen, sondern auch das Füßetrampeln wurde wirklich lange durchgehalten. Ach, wie viel Kraft kann doch Humor, verbunden mit Tiefgründigkeit hervorbringen, wenn man an einem eiskalten Abend mit trüben Wetter in ein Theater geht, ganz ohne etwas Großes zu erwarten, und dann dermaßen erfüllt und erfreut, nach einigen Stunden wieder auf die Straße tritt!

Die Autorin Raphaela Bardutzky sollte man sich merken, ihre Stücke werden grade an mehreren deutschen Bühnen gespielt, schon gibt es polnische und französiche Übersetzungen, ein großes Talent, und trifft offenbar den Nerv der Zeit.

Inszenierung: Annette Müller, Bühne und Kostüme: Oliver Kostecka, Dramaturgie: Sophia Lungwitz, Regieassistenz und Inspizienz: Martha Helms: Schauspieler: Bernd Färber, Lisa Moskalenko, David Stancu

Mit dem Stück „Warten auf Godot“ (Samuel Beckett, 1953) ist mal wieder ein großer Wurf des legendären Gefängnistheaters aufBruch in Berlin gelungen, das Stück soll überhaupt, laut WELT, das meistgespielte Stück in den Gefängnissen der Welt sein. Kein Wunder, wartet nicht jeder Gefangene tagtäglich 24 Stunden lang? Die Umsetzunmg im aufBruch war entsprechend gut, die Premiere führte zu standing ovations.

Das Stück, normalerweise ein Zwei – Mann – Stück zweier Landstreicher, Didi und Gogo, wird hier gekonnt von sieben Schauspielern gespielt. Diese sind, durch lediglich etwas angestaubte schwarze Straßensachen, allerdings nur wenig als Obdachlose erkennbar. Auch das hat seinen Reiz, sie erinnern daher tatsächlich eher an sich selbst, an Gefängnisinsassen. Diese sieben Personen werden nun in wirklich kunstvollen Wechsel-Dialogen miteinander in Kontakt gesetzt und spielen sehr originell, mit großer Körperkraft und originellen Tanz- und Sing-Einlagen. Die Besonderheiten und Originalität der Umsetzung mit dem Gefangenen – Ensemble des aufBruch-Theaters ist gut gelungen. Das Warten, das Quälende des Wartens, die kleinen Ablenkungen, die Wut, der Frust, die sich aufstauen, die Zeitdehnung, all das wird hier sehr gut dargestellt und die Gefangenen spielen es mit großer Leidenschaft. Die Spieler, alle samt Gefangene aus Plötzensee, bringen das Thema und die sehr abstrakte, schwer zu lernende Sprache, mit großer Authentizität auf die Bühne. Es ist etwas, was uns angeht, wir kennen das, sagt einer der Spieler später auf der kleinen Premierenfeier.

Auch politisch aktuelle Sätze fallen: „Man ist der Geldwirtschaft satt bis zum Ekel, jetzt beginnt der Cäsarismus, er wächst auf dem Boden der Demokratie, seine Traditionen reichen aber weiter zurück!“

Das Problem des sinnlosen, des hoffnungsvollen und manchmal trostlosen und schrecklichen Wartens findet sonst eher selten im Theater als Quälmethode Erwähnung, wir sehen es in manchen Stücken als Sinnbild von Langeweile, etwa bei Tschechov, aber hier wird vom Ensemble das Quälerische von Beckett betont. Die Erweiterung des Zwei-Mann-Ensemble auf sieben Leute wirkt hierin sehr günstig verstärkend.

Sowohl die Hoffnung auf einen Retter, als auch die Angst vor einem plötzlichen Diktator, als auch das leere Warten ins Nichts hinein bis zum Ende des Lebens wird hier mit sehr fein herausgearbeiteter Intensität, in einzelnen getrennten Episoden dargestellt. Einzelne Talente des Ensembles stechen sehr heraus, Moxx zum Beispiel überzeugt durch eine gleichzeitige Talentiertheit im Ausdruck, in Gesang, Gelenkigkeit, Körpersprache und Pantomime. Wirklich, der geborene Schauspieler! Besser als jeder professionelle Schauspieler. Auch das einfache Schuhe – an- und Ausziehen entfaltet eine ganz besondere Symbolik. Die Gefangenen sprechen auch eigene Texte, Assoziationen zum Thema Warten: „Sie sagen, Godot kommt nie, doch wir stehen trotzdem da. Weil das Hoffen uns hält und nicht das, was mal war. Vielleicht sind wir selbst das, worauf wir warten, Gefangene im Kreis aus den eigenen Taten!“ Moxx. Und Alex sagt: „Ich warte auf ein Leben ohne Türen, die keine Klinke haben. Auf ein Leben, in dem ich entscheide, wann und was ich einkaufe…warte darauf, endlich nach hause zu können und meine Kinder von der Schule abzuholen“

Das Publikum von Beckett 1953, teilte grausame Kriegserfahrungen, die vergessen und nicht erwähnt werden durften. Beckett schreibt in dem Stück aber keine Zeile über den Krieg. Das aufBruch-theater lässt eine Dia-schau laufen, ein immerwährender Krieg seit Beginn des 20. Jahrhunderts. Ist der Mensch verdammt zur permanenten Wiederholung von Furchtbarem, weil gelähmt, weil von Autoritäten eingeschüchtert? Der aggressive Pozzo hat diese Rolle, aber auch er ist nicht Godot. Godot tritt nicht auf, weder als Retter, noch als Strafender. Auch Beckett kannte ihn nicht, aber ein Bote scheint ihn zu kennen. Doch ist dieser, ähnlich wie die Boten in Kafkas Schloss, sehr eingeschüchtert.

Eindrucksvolle Gesichter sieht man als Spieler im aufBruch Theater, großartige Qualität der Darstellung. Die Dialoge allesamt bravorös gegeben. Auf einer Leinwand läuft ein kleiner filmischer Parkour durch die deutsche Geschichte bis heute an Kriegen und Gewalt gegeben hat. Schwerpunkt dieser filmischen Szenen liegt auf dem immer wieder Vorkommen der Ungerechtigkeiten, der Verfolgung von Schwächeren, die Gewalt des Krieges und der Gewalt in Gefängnissen. Das Warten wird also in einen dialektischen Bezug zur Gewalt gesetzt, wie es auch Beckett vorgesehen hat. Gogo und Didi erinnern an zwei Kinder, wie auch Kinder sehr häufig oft in sehr langen Warte-Situationen ausharren müssen, ohne dass die Erwachsenen sich darüber überhaupt Gedanken machen, so kennt jeder das zeitziehende Warten eines Kindes auf seine Mutter auf seinen Vater, wenn zum Besuch zu spät kommen, und weil das alle Menschen kennen und die Hilflosigkeit eine stärkere Massenerfahrung ist, als die Selbstwirksamkeit, deshalb fasziniert dieses Stück immer wieder. Das ganze Leben ein Warten. Nie habe ich diese Parabel Becketts besser verstanden als gestern in der Premiere im aufBruch – Gefängnistheater in Berlin, unbedingt hingehen!

P.S.: Spannendes findet sich übrigens auch im Programmheft. Die Programmhefte im aufBruch-Theater sind immer sehr vielseitig, poetisch, oft philosophisch, niemals beliebig, immer spannend. Dort findet sich diesmal neben anderem Lesenswertem noch eine weitere interessante Episode: Einst fand eine Aufführung von „Warten auf Godot“ in Schweden, in Kumla, mit Insassen eines Hochsicherheitstrakts statt, nachdem die Aufführungen ungeheuer erfolgreich waren, ging die Truppe auf Tour, die Premiere außerhalb des Gefängnisses sollte in Göteburg stattfinden, aber die Schauspieler machten sich nach der Pressekonferenz auf und davon, darüber gibt es einen eindrucksvollen Film. Als der verzweifelte schwedische Regisseur kurz darauf Beckett persönlich in Paris traf und ihm diese Episode erzählte, brach dieser in schallendes Gelächter aus und sagte: „Das ist das Beste, was meinem Stück je widerfahren ist, seit ich es geschrieben habe“.

Aber zunächst: Was ist Hallig Hogge?

Keine „Insel“ im Wattenmeer, sondern ein Stückchen Land, was oft mehrmals im Monat total überspült wird und nur die Häuser schauen raus. Eine Ansammlung von Warften im nordfriesischem Meer (aufgeschüttete Hügel, auf denen Häuseransammlungen stehen) die bei Ebbe und schönem Wetter durch einen grasbewachsenen Wattboden miteinander verbunden sind, auf dem friedlich Kühe grasen. Kleine Straßen ziehen dort von Warft zu Warft und der Wattgrasboden ist von malerisch schön geschwungenen Prilen durchzogen. Kaum gibt es einen kleinen Sturm und das Wasser überwindet den kleinen Deich rund um die Hallig, so läuft diese wie eine Suppenschüssel voll mit Wasser, und die Häuser stehen scheinbar allein im tosenden Meer, die Straßen und der Grasboden stehen „Land unter“. Das ist für die Halligbewohner ganz normal, jeder hat hier seine Gummihose mit Stiefeln dran im Haus, sie finden sich auch mittels Stöcken in der mit Wasser vollgelaufenden Suppenschüssel zurecht, für die Gäste ein interessanter Gänsehautkick. Gäste gibt es hier reichlich, in diesem, wie ein kleiner Irlandsplitter aussehenden grünen Flecken, wo die Bauernhöfe mit ihren Kühen, Schafen, Pferden, Kleintieren und Federvieh und dem einen Kutschwagen, wie vor 100 Jahren anmuten. Die Gastfreundschaft ist groß, das Erlebnis „Land unter“, worauf alle Gäste heimlich lauern, kommt nicht immer passend zum eigenen Aufenthalt. Wir zum Beispiel hatten es nicht, wir durchwanderten die grüne Flur von rechts nach links und rundherum, besuchten alle Warften, schossen Fotos von grasenden Rindern und bewunderten die glitzernden Himmelsspiegelungen in den malerischen Prilen. Abends saßen wir im „Friesenpesel“, tagsüber besuchten wir die Halligmuseen, und die kleine Schifferkirche, oftmals rutschte uns das verbotene Wort „Insel“ heraus, das wird hier streng gerügt, denn eine Insel hat nie „Land unter“, sondern ist ein festes, niemals überflutetes Stück Land, von dem man nicht alle paar Wochen innerhalb von wenigen Stunden sämtliche Tiere, Autos, Geräte auf die Warft hochholen muss, damit sie nicht ertrinken oder von den Fluten zerdonnert werden.

Neuerdings freuen sich die überaus tapferen Halligbewohner, wie wir fanden, als wir alles über sie gelesen hatten, über Zuwachs (zwei Frauen sind schwanger), im Kindergarten sind grade nur noch zwei Kinder, die freuen sich auch, in die Schulwarft gehen 8 Kinder, das ist eine tolle kleine Lerngruppe, da kann es zu optimaler Förderung aller Talente kommen, und das kulturelle Leben blüht offenbar auch. Es gibt u.a. eine Theatergruppe für die Inselbewohner. Da muss u.U. schon mal der Theaterbeginn um 30 Minuten verschoben werden, weil erst noch ein Kalb auf die Welt geholt werden muss, da muss, auch wegen des Wassers, immer eingeplant werden, dass es so, aber auch anders kommen kann.

Als wir auf der Hallig zu Gast waren, gab es das plattdeutsche Theaterstück der Schweizer Erfolgsautorin: …. Zum goldenen Uhu, (tu´n güllen Uhu), das an der Rezeption eines Hotels spielt, die Gäste und Gastgeber köstlich auf die Schippe nimmt, und einen kleinen Krimi präsentiert. Die Zuschauer bogen sich vor Lachen und ich verstand tatsächlich jedes Wort, es war nur nötig, sich, wie auf eine Geheimsprache, auf den Code des Plattdeutschen einzulassen. Was mir sehr dabei gefiel, war das völlige Vermeiden jeglicher formalen Aufgeblasenheit, wie man sie an den großen Theatern oft vorfindet, und was sich dort oft als große Kunst ausgibt, manieriert und gekünstelt. Das Gegenteil hier. Unsere Pensionswirtin, die grade noch die Hunde spazieren führte, spielte auch mit, eine Frau, mit der wir noch grade vor ihrem Haus geplaudert hatten, sahen wir auch später unter den Spielerinnen.

De Hooger Speeldeel

Bereits 1912 wurde nachweislich (Niederschrift einer Versammlung) die Hooger Speeldeel erwähnt. Seitdem erfreuen sich die Halligbewohner am Theaterspiel, sowohl als Zuschauer, als auch als Mitspieler. Regelmäßig spielen ca. 10 Halligbewohner mit, dass sind ca 10 % aller Bewohner auf hallig Hooge. Man versuche das mal auf dem Festland zu erreichen!

Das Stück war eine Komödie um ein Hotel, dass Vicki Baum alle Ehre gemacht hätte. Die Autorin ist eine Österreicherische Vielschreiberin, auf ihrer Webseite finden sich zahllose Komödien für kleinere und größere Bühnen. Ohne Probleme hat sie selbst das Stück vom Österreichischen ins Plattdeutsche übersetzen lassen, was die Muttersprache der Halligbewohner zu sein scheint. Sie spielten es jedenfalls so überzeugend, dass es eine Freude war. Das Beste: Es wurde so lebendig gespielt, dass man auch als Nicht-Muttersprachlerin alles verstehen konnte. Es ging um ein Hotel, in dessen Foyer sich die seltsamsten Menschen treffen, Titel des Stücks: Tüm güllen Uhu, übersetzt: Zum goldenen Uhu, dem Namen des Hotels. Es gab einige lustige Verwechslungsspiele, einen Mord, den die Mörderin so freimütig zugab, dass ihr keiner glauben mochte, einer Agentin, die als hysterische Diva daher kam und einigen anderen komischen Figuren. Glänzende Dialoge, Spannungsbogen gut gehalten, tolles Stück, brechend voller Saal, standing ovations auf der Hanswarft auf Hallig Hooge. Von der Nachbarhallig Langeness waren an dem Tag auch Besucherinnen rübergekommen. Mit dem Schiff natürlich, sie mussten noch zurück, das schönste war zu sehen, was für eine große tolle Familie die Halligbewohner darstellen, die kurze Zeit später mal wieder Land unter hatten, wo sie dann jede Familie nur noch allein auf ihren Warften sitzen und rundum nur noch das Meer an die Zäune schwappt. Einer spielte einen Selbstmörder, der koordiniert die Spielenden des Theaters, Regie führen sie alle zusammen, und senden an alle Leserinnen und Leser „Liebe Grüße zum Festland“, Vorbestellungen für die kommende Spielzeit einfach via facebook oder über Erco (Lars Jacobsen), auf der Hanswarft 19 c, in 25859 Hallig Hooge, Tel. 0 48 49 – 2 98, E-Mail: e.jacobsen@lammliebe.de, Internet: www.lammliebe.de, Facebook: www.facebook.com/lammliebe

Fotos:

Ein heute wieder aktuelles Thema, wenn man bedenkt, wie der Mietraum schwindet, die Reichen sich wie Heuschrecken ausbreiten, die Obdachlosenzahlen sich verdoppeln und verdreifachen und dabei Millionäre und Milliardäre immer reicher und reicher werden.

100 Jahre später noch immer dasselbe Problem: Die Frauen wissen nicht, wie sie ihre Kinder satt kriegen und ihnen ein menschenwürdiges Leben ermöglichen können, die Arbeiter wissen nicht, wie sie sich eine Zukunft aufbauen können, ohne immer nur von der Hand in den Mund leben zu müssen, obwohl sie die ganze Zeit arbeiten, die bürgerlichen Intellektuellen, die gegen veraltete Lehrmeinungen aufbegehren und veraltete Familienstrukturen sprengen möchten, sind auch dabei, leben aber an den Problemen der elenden vorbei, ohne ihn zu helfen, all das, aktuell wie nie und eine Gesellschaft, die den menschlichen Bedürfnissen optimal gerecht wird, ist immer noch nicht erreicht.

Es war eine Freude zu erleben, wie die großartigen Schauspieler im Volkstheater Rostock dieses noch immer so aktuelle Stück, oder wieder so aktuelle Stück, glanzvoll gebracht haben, wie von Hauptmann intendiert, fühlte man sich wie mitten in das Mietshaus katapultiert, und mit der Nase drauf gestoßen, mitten hinein in die Familien, in das Elend, in die Verzweiflung. Was wurde Hauptmann alles vorgeworfen, dass er keine Auswege bietet, dass er zu wenig Abstand zu seinen Figuren hält, dass er kein politisches Konzept hat, all das kann man auch dieser Aufführung vorwerfen, wenn man nicht wichtig findet, dem Publikum zunächst einmal in die Nähe der Probleme der Menschen im sozialen Elend zu bringen. Diese Nähe wird hier optimal erreicht und lässt einem das Lachen im Halse gefrieren. Und die Schauspieler haben es hier genial geschafft, ihre Typen mit Wahrhaftigkeit und Leidenschaft echtes Leben einzuhauchen. Diese Echtheit des zerstörten Lebens, wo die Menschen kämpfen, um ein ganz kleines bisschen Glück, was die Figuren von vor 100 Jahren genau so wie heute erst streben, ist hier auf der Bühne des Rostocker Theaters 2025 als das Werk eines sehr guten Regisseurs mit excellenten Schauspielern erreicht. Das Publikum wirkte zum Teil irritiert, gestört in ihrer bürgerlichen Gemütlichkeit, konfrontiert mit dem Elend, was sie nicht sehen wollen, auch das heute noch genau wie vor 100 Jahren. Ein Zeichen, dass wir erneut in einer Phase stärkster Klassen-Widersprüche stecken, diese haben sich dann in der Mitte des 20. Jahrhunderts im Faschismus entladen, was wird dieser neuen Epoche weltweiter Ungerechtigkeit der Verteilung gesellschaftlichen Reichtums folgen???

Man ging jedenfalls nach Hause und war erfüllt von Trauer. Trauer darüber, dass unsere Gesellschaft nicht geschafft hat, und das in 100 Jahren nicht, das Elend in der Gesellschaft zu beseitigen oder wenigstens zu vermindern, das einzig daher rührt, dass Menschen die in armen Verhältnissen geboren werden, nicht dieselben Chancen haben wie die Menschen die in reichen Verhältnissen geboren werden, Sie können sich noch so sehr bemühen.

Auch die konkreten Probleme, das Kind eines Mannes der ein prügelt und verlässt, nicht austragen können, deshalb den Lebensmut verlieren, Hass auf diesen Menschen entwickeln, aus Familien zu stammen, die Drogen- und alkoholsüchtig sind und daher keine Geborgenheit erleben und geben können, die Trauer um ein verhungerte Kind, die Sehnsucht nach Liebe, Verständnis, Geborgenheit und menschlichen Mitgefühl, und das Scheitern dessen, war glänzend umgesetzt, ganz großes Theater ! ! ! Danke an das Volkstheater Rostock, was mit diesem Stück seinem Namen wirklich gerecht wird!

Die Spieler waren großartig: Sehr witzig war Bernd Färber als Harro Hassenreuter, der ehemalige Theaterdirektor, Frank Buchwald als John, der Maurerpolier, konnte so gut den schwer körperlich arbeitenden Mann geben, dann hat mir ungeheurer gut Katrin Heller als Frau John gefallen, wie sie die Gradwanderung zwischen Verzweiflung und Irrsinn geben konnte, war ganz großes Können! Auch Hagen Ritschel als Bruno Mechelke, hat den kriminellen Bruder glanzvoll gespielt. Absoluter Star war aber Malin Steitz als Pauline Piperkarcka, so leidenschaftlich sieht man selten das Elend einer Frau auf der Bühne! Auch die pantomimisch gespielte Rolle der süchtigen Sidonie Knobbe, gab Starschauspielerin Katharina Paul wunderbar lasziv, und auch Anouk Warter als Selma Knobbe, ihre Tochter spielte überaus eindrucksvoll und glaubwürdig.

Alles in allem ein Meisterstück! Glückwunsch an das Volkstheater-Ensemble! Inszenierung, Komposition und Video: Max Lindemann, Bühne und Kostüme: Katja Pech, Dramaturgie: Sophia Lungwitz, weitere Aufführungen hier erfragen: https://www.volkstheater-rostock.de/